Premio Brasil – Arte Emergente 2013: EXERCĺCIOS PARA FAZER UM GATO OU ACENDER UMA LUZ COM UMA BATATA

AFICHE-LUZEXERCĺCIOS PARA FAZER UM GATO OU ACENDER UMA LUZ COM UMA BATATA

Adrián Balseca
Presentación residencia LASTRO
Jueves 15, 2013
20H00

Calle Buenos Aires 168
4º piso _ Centro
Río de Janeiro

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Premio Brasil – 4a residencia lastro + bookshostel convidam:

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Centro de Arte Contemporáneo de Quito e La Embajada de Brasil en Quito e LASTRO – Intercambios Livres em Artes anunciam a residência do artista ganhador do Prêmio Brasil – Arte Emergente 2013, Adrián Balseca.
O artista está no Rio de Janeiro participando da residência organizada pelo LASTRO –Intercambios Livres em Artes e conta com assistência das curadoras Beatriz Lemos e Paula Borghi.

Lastro: http://lastroarte.com

Premio Brasil – Arte Emergente 2013: PRIMERA EDICIÓN

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La gestión de nuevos espacios de exposición, creación, promoción, intercambio y  difusión de arte contemporáneo se enmarca dentro de los programas de fomento para artistas jóvenes que el Municipio del Distrito Metropolitano de Quito construye a través del Centro de Arte Contemporáneo.

PREMIO BRASIL – Arte Emergente 2013 buscó impulsar nuevos perfiles de artistas jóvenes que proyecten su trabajo en el campo de las artes visuales del Ecuador,  mediante una convocatoria pública, que reforzó métodos claros e inclusivos, se selecciono 16 propuestas de un total de 90 enviadas.

La convocatoria no pretendía establecer una temática conceptual para la elaboración de nuevas obras. Por el contrario, buscó visibilizar obras de artistas jóvenes que estén llevando a cabo procesos de producción en el marco de las reflexiones artísticas contemporáneas. Con este fin, el análisis y revisión de las propuestas enviadas estuvo a cargo de  un comité de selección conformado por especialistas convocados por la Embajada de Brasil en Ecuador y el CAC: Valentina Brevi, Iván Garcés, Patricio Ponce, Ileana Viteri  y Cristóbal Zapata. Al igual que el proceso de Premiación estuvo a cargo de un comité de jurados convocado por la Embajada de Brasil en Ecuador, conformado por Geraldo Orthof, Catarina Brandao, y Pedro Cagigal.

En su primera edición, el Premio buscó contribuir con la inserción de los procesos de producción artística local en un campo institucional con la intención de fortalecer diálogos e intercambios entre las escenas artísticas del Ecuador y el Brasil.

Asimismo, el Premio Brasil – Arte Emergente 2013 es una plataforma para entablar  contacto con una generación específica de artistas no mayores de 30 años, con el objetivo de incentivar sus procesos, reconocer sus rutas de promoción, circulación y consumo del arte a través de las siguientes estrategias:

Exhibición, al facilitar que los artistas que inician su carrera y que necesitan de espacios de exposición y difusión muestren su trabajo, con las condiciones necesarias y asistencia de curadores, museógrafos, educadores, mediadores y los medios de comunicación, además de realizar pagos a los artistas por derechos de exhibición y la publicación de un catálogo.

Intercambio, al   impulsar la escena emergente de arte contemporáneo en el Ecuador y proyectar y afianzar la proyección de los artistas locales en el exterior.

En el contexto local, los artistas han sido capaces de generar estrategias creativas, tejer redes sociales y culturales y, así, autogenerar empleos e insertarse en nichos de creatividad y sociabilidad. Sin embargo, estas estrategias siguen siendo precarias, además del renovado Mariano Aguilera no existen proyectos de fomento que establezcan prácticas profesionales para jóvenes artistas y agentes culturales que aseguren un trabajo desde las singularidades,  particularidades y subjetividades.

El modelo de gestión cultural y el modelo en que funciona el campo artístico local dificulta el intercambio entre agentes activos y propositivos en la escena.
Un modelo histórico de gestión de instituciones públicas, ha devenido en el rechazo de los agentes culturales locales a la institucionalidad en el arte; sin embargo las propias instituciones han empezado a ser conscientes de ello e intentan resolver estas carencias creando redes que les ayuden a llegar más lejos o más profundo. Esta vez, son el Centro de Arte Contemporáneo y la Embajada de Brasil en Ecuador las instituciones que están trabajando en conjunto con el fin de aportar a la construcción de programas de fomento y promoción para jóvenes creadores y, así,  brindar apoyo a los procesos de gestión, difusión y promoción en la escena artística emergente en  el Ecuador y, al mismo tiempo, fomentar intercambios con otras regiones y escenas.

La muestra responde al interés de la Embajada de Brasil en Ecuador y el CAC, de no sólo concentrarse en los trabajos de los artistas establecidos cuyas obras constituyen aciertos indiscutibles, sino de asumir riesgos y ofrecer oportunidades de apreciar aquellas producciones emergentes que han puesto en relieve una clara sintonía con el acontecer artístico contemporáneo.

Con esta apertura se busca, no sólo incentivar la creatividad de las nuevas generaciones de artistas nacionales, sino permitir a los agentes del arte contemporáneo conocer e involucrarse tempranamente con trabajos que, desde ya, apuntan a convertirse en genuinos protagonistas de la nueva escena artística que ha empezado a conformarse gracias a una multiplicidad de actores (antes ausentes).

Por una parte, la multiplicidad de actores involucrados en procesos de arte contemporáneo nos indica que las obras de arte no se pueden entender en aislamiento de las sociedades en que se producen (en este sentido la institución es un puente), y por otra parte, un modelo de producción y gestión  que responde a un tiempo y un mundo globalizado en el cual son cada vez más estrechas la comunicación y la interdependencia entre los distintos países, lo cual hace necesario mantener un sentido dual, de lo nacional y lo internacional en la apreciación del arte.

Sería imposible presentar en una muestra de este tipo todas las obras merecedoras de atención, pero de todas maneras los trabajos de los artistas incluidos representan la energía de su generación. Sus urgencias son de tipo formal y filosófico, material y subjetivo. Brotan de la singulares experiencias e imaginación de una generación  que creció en un país en constante inestabilidad política y económica, sin embargo es una generación que creció en red, cuyas comunicaciones con el resto del mundo son inmediatas, para la cual es obvio que el contexto específico y la situación local sólo pueden ser comprendidas plenamente en términos globales y cuyas obras buscan consecuente y  conscientemente trascender para llegar a un público heterogéneo y diverso.

Las obras seleccionadas para la exposición se inscriben en el plano de lo sensible respondiendo a diversas maneras de construir subjetividad, pero no sólo a partir de experiencias personales sino también de experiencias colectivas y sociales, hecho que extiende considerablemente sus repercusiones y le augura una amplia difusión a sus contenidos. Pero son obras claramente surgidas de reflexiones y argumentos intelectuales y búsquedas materiales y de lenguajes que, gracias precisamente a esa participación de lo sensible, adquieren elocuencia y una extendida capacidad de persuasión. Sus propuestas son rigurosas en el planteamiento de lo procesual, integrando lo transdisciplinar y las prácticas creativas que se enfrentan con las nuevas tecnologías, el audiovisual, los lenguajes tradicionales y a la investigación sobre el propio arte, sus recursos y morfologías, como medios para construir y deconstruir sentidos complejos.

En uno u otro sentido la exposición propone un aspecto multidisciplinario en tanto metodologías y teorías, sino que también en cuanto expresiones como creación visual: instalaciones, dibujos, animación, video performace, pintura, cerámica y lenguajes mixtos. Aunado a ello, lo intercultural, lo incluyente y el aporte estético del arte contemporáneo, refuerza la calidad de la producción cultural y el debate sobre el llamado –arte emergente-.

Amanda Cuesta crítica, comisaria y editora independiente dice “mas allá de la habitual confusión, podríamos definir la emergencia como aquello que, partiendo de una situación sumergida, pugna por hacerse visible: una suerte de flujo de prácticas, ideas y actitudes que tiende a la institucionalización. La emergencia debe contener, ante todo, la promesa de llevar el paradigma artístico un poco más allá. Es esa promesa lo que la “institución arte” busca más fervientemente”.

Lo emergente no responde a la adicción por lo nuevo en el marketing del arte contemporáneo (dejemos las especulaciones a un lado). Lo emergente designa los nuevos significados y valores, las nuevas prácticas y relaciones sociales. Lo emergente busca la recuperación de la densidad histórica con los significados recientes que generan las prácticas innovadoras en la producción y el consumo del arte contemporáneo.

(…)

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Quedan preguntas pendientes, al igual que un proceso al que darle seguimiento: reforzar los errores que se percibieron durante y posterior a la producción de PREMIO BRASIL. Sin embargo queda la dicha que significa asumir riesgos ante una marcada y sentida ausencia de un institucionalidad para el arte emergente y joven, al igual que la ausencia de modelos críticos y propositivos de los agentes que hacemos parte de la llamada escena del arte contemporáneo local.

La exposición esta conformada por 16 jóvenes artistas de Guayaquil, Loja y Quito: Sofía Ullauri, Raymundo Valdéz, Roger Pincay, Andrea Ramírez, Gianella Silva, Juan Shapan, Adrián Balseca, Johanna Villavicencio, Cristina Salas, Santiago Maldonado, Ralex, Carlos Piza, Diego Ledesma, Dennys Navas, César Guale y Carlos Vargas son los artistas cuya obra esta expuesta en el Centro de Arte Contemporáneo hasta el 05 de mayo de 2013.

Premio Brasil: Adrián Balseca.
Primera Mención: Carlos Vargas.
Segunda Mención: Diego Ledesma
Tercera Mención: Johanna Villavicencio.

Eduardo Carrera.
(Investigador y curador de arte)
Coordinador – Premio Brasil – Arte Emergente 2013.

La condena de lo emergente.

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El Premio Brasil es una iniciativa del Centro de Arte Contemporáneo de Quito, con el apoyo de la Embajada de Brasil,  que busca fomentar la producción de  jóvenes artistas ecuatorianos y propiciar un intercambio entre los quehaceres artísticos de Ecuador y Brasil.

El Premio Brasil se concibe como una plataforma de promoción artística accesible, mediante una convocatoria abierta sin temáticas predefinidas, con un mecanismo sencillo de inscripción y un proceso que no se centra en hacer una legitimación cualitativa -estética o poética- de una obra a través de un premio. Asimismo, el Premio Brasil es una posibilidad abierta para el intercambio experiencial que este tipo de iniciativas generan en los participantes, públicos e instituciones involucradas.

Las noventa personas que aplicaron a la convocatoria revelan una dinámica producción de arte joven que se inscribe en diversas disciplinas, posicionamientos y maneras de hacer arte; también revelan temáticas en común, discursos y muchos otros aspectos para el análisis de la escena artística local. Este catálogo y esta selección pretenden ser insumos para una lectura crítica de este proceso.

Pensando en un mecanismo que ayude a tejer redes de trabajo y a sacar provecho de este corte transversal de una parte de la producción artística local, el jurado de pre selección se conformó con personas que venían desde diferentes experiencias y localidades en el campo artístico. Las obras seleccionadas fueron mediadas por las visiones de artistas, galeristas, docentes y gestores culturales independientes de Guayaquil, Cuenca y Quito, generando un flujo de información transdisciplinar.

Si lo contemporáneo se define a través de la duda y la postergación, una prolongación reflexiva de la decisión y la acción[1], lo emergente, a su vez, como acción perpetua, sería un transitar en un tiempo condenado al presente. Es a este tiempo presente al que en algún momento se le permite al artista adherirse o no y, así, posicionarse estratégicamente frente al sistema-arte: el museo, la galería, la academia, los espacios alternos, la crítica, el mercado, el público y otros artistas.

En Quito, luego de la descontinuación del Salón de Arte El Comercio y la restructuración del Salón Mariano Aguilera, quedó en la ciudad el vacío de un formato expositivo para las artes visuales desde la institucionalidad -pública o privada-, que diese cuenta de ese valor del arte emergente. A la vez, en varias ciudades del país proliferaron espacios independientes para este arte, muchos gestionados por los mismos artistas, ya sea situándose dentro del mercado del arte o como alternativa a éste. Estos espacios asumen posiciones diversas y muy claras, que han alimentado el contexto cultural ecuatoriano. De allí, el arte emergente ha sabido adaptarse a las distintas economías y no-economías pre y post feriado bancario en Ecuador.

Lo emergente, sin romanticismos y sin ingenuidad –ya es un veterano-, ha sido y es interpelado por las instituciones del arte; ya sea apoyado, marginado, usado, comprendido o incomprendido. Museos y centros culturales, facultades y galerías se han servido también del arte emergente para legitimarse; institucionalidad y arte emergente se han encontrado y han establecido estrategias de negociación, mas no siempre de empatía.

El Premio Brasil se presenta como un piloto, un formato maleable, que complementa esta postergación contemporánea de una solución, dándose el tiempo para reflexionar en base a una producción eternamente joven que opera no sólo a través de sus productos, sino de sus tránsitos y sus saberes.

Pedro Cagigal.
Coordinador – Centro de Arte Contemporáneo de Quito.


[1] Boris Groys, “Camaradas del tiempo”, Going Public, e- flux journal, Berlin, 2010

PREMIO BRASIL – Arte Emergente 2013 Sobre el ganador de Premio Brasil: Adrián Balseca. Por Geraldo Orthof. (Jurado del Premio)

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¿Qué artista es ese que, en tiempos de excesos, nos presenta una morada tan austera?

Adrián Balseca no depura ninguna cosa o pensamiento. Llega a la obra sin titubear. Sus acciones derivan de tácticas de un pensamiento preciso. En un momento cúspide, pinza (quirúrgicamente) una imagen antes que escape.

Con su obra Sin Título (Quito Luz de América) de 2013, el joven artista activa el humor seco y la provocación, no hace concesiones al espectador que está acostumbrado a un goce fácil o desatento. Nos ofrece dos hechos de una “apropiación”: el primero es directo y pura guerrilla poética. Roba la luz de un poste de iluminación pública. En el segundo roba esa otra luz, la obra ícono -subtítulo de su obra- del artista Mauricio Bueno. Adrián nos provoca, en una aparente negación del quehacer artístico, en el sentido de una manufactura especializada, pues toma prestada la obra de un colega de otra generación, fundiendo una obra que no le pertenece y se apropia de ella como si se tratara de un objet trouvé.

Pero él va más allá, avanza en dos ejes principales: el tiempo y el espacio. Anda hacia el tiempo, cuando lanza luz sobre una obra ejecutada en 1976, que problematizaba la representación del paisaje actualizándola mediante un dispositivo contemporáneo; y camina hacia el espacio cuando crea una situación de impasse dentro de la institución que cobija su instalación. Con este acto transfiere la responsabilidad de decidir cómo realizar la acción prohibida de robar la energía pública. Su provocación  consiste precisamente en “iluminar” esas cuestiones. Va aún más allá y nos hace pensar en los sentidos de lo ético y lo poético que se encuentran implícito en las políticas culturales que existen dentro de los espacios de exhibición y en la vida, allá afuera, que vive su día a día, siempre dramático, encarnando la realidad.

Juego de luz y sombra, tal y como nos enseñó a ver el escritor japonés Junichiro Tanizaki, en su magistral libro, El Elogio de la Sombra, publicado en 1933, la densidad de los dobleces presentes en las sombras.

Felicitaciones a Adrián, que nos presenta sus vapores poéticos que navegan entre el neón y la memoria, al tiempo que nos ilumina con su teatro de sombras, evocando paisajes, que permanente irrumpen en el  aquí y el ahora. Por ello, el Premio Brasil da paso a nuevos paisajes de encuentros, intercambios y futuras colaboraciones.

Geraldo Orthof
Artista Visual.

Entrevistas:

Para conocer mejor a los artistas que obtuvieron las menciones de honor, realizamos unas preguntas que nos dan un panorama y nos acercan a la producción de estos jóvenes artistas:

1.  ¿De qué trata tu trabajo?
2. 
¿Cómo ves la escena emergente del arte contemporáneo en Ecuador?
3.  Cuéntanos cómo fue el proceso de la pieza que presentas en PREMIO BRASIL.
4. ¿Cuál es tu trabajo más reciente y cuáles son tus planes?

Primera mención:

El cortejo
Autor: Carlos Vargas
Técnica: Video-documento
Año: Trabajo en Proceso

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Carlos Vargas:
1. Acerca de mi trabajo… Creo que gran parte de mi trabajo está atravesado por una cuestión de afecto. Se trata de cómo me voy relacionando con algo o alguien, incluso conmigo mismo, durante un período de tiempo -todo un proceso de socialización donde adquiero una postura crítica, generalmente salpicada de humor-. Las obras son el resultado de ese cariño.

2. Creciente, sin duda, pues cada vez tenemos más herramientas y más apertura en los espacios culturales. Me quedo muy contento de hallar entre mis compañeros un gran espíritu de competencia y superación; hay trabajos de calidad, ambiciosos, que sobresalen entre la gran cantidad de propuestas. Sin embargo, aún nos toca derribar barreras regionales; todavía se siente cómo marchamos en cadencias distintas.

3. El Cortejo es hermana de otra obra mía llamada Devoción. Cuando decidí viajar por el país -especialmente Guayaquil, Quito y Cuenca- en busca de agentes culturales, sabía que tendría una única oportunidad de reunir a un centenar de colegas dispuestos a ser videograbados para el video-performance Devoción. Esa situación muy singular me dio una oportunidad más de descolocar a estos personajes frente al acto inesperado, tan ridículo, tan minúsculo, pero que logre una reacción sincera de su parte.

4. Continúo con esta serie de actos afectivos, específicamente con la comunidad artística local y la comunidad glbti. Pretendo extenderme más allá del video y el performance, con una nueva serie de obras fotográficas y objetuales. También estoy considerando llevar estas inquietudes del mundo artístico local a nivel regional -Latinoamérica- o global.

Segunda Mención:

Crónicas rosas. Narraciones rojas
Autor: Diego Ledesma
Técnica: Xilografía sobre papel, video animación
Dimensiones: variables
Año: 2012-2013 premiobrasil18

Diego Ledesma:

1. “Crónica rosas. Narraciones rojas” inicia como la ilustración de un reportaje del programa “En carne propia” popularizado por el Internet y la frase “amor, comprensión y ternura” (http://www.youtube.com/watch?v=aFUPFx1wtck) que grita uno de los protagonistas de dicho video, así cada una de las xilografías comienzan siendo el retrato de los hermanos pero me llamó la atención un siguiente video donde este personaje pedía disculpas públicamente  para poder conseguir un empleo, debido a la dimensión en que la esfera pública y las estrategias mediáticas pueden distorsionar la realidad para generar un espectáculo y como nosotros ya estamos condicionados por ella. En el video al que se refieren las xilografías los personajes están evidentemente drogados y ante las cámaras que aparecen de repente toman una actitud de agresividad que se vuelve natural durante el reportaje y para ellos, asumen un papel y se transforman para ser parte del espectáculo, a pesar de que a muy pocas personas les interese que pase con ellos luego de observar el video, de esta manera bastante sencilla se vuelve entretenimiento a ciertas condiciones de vida y la forma violenta de su proceder.

De igual manera, al ser consumidores de estas retratos e historias a través de la televisión, la prensa o la web, entendemos a estas imágenes como parte de la realidad que nos rodea, así sobre-dimensionamos la violencia, y eso condiciona nuestra forma de ser para obsesionarnos con estándares de seguridad como rejas, verjas, picos de botella sobre las paredes que se ubican en la ciudad para protegernos, cuando solo son símbolos de que muestran la forma en como percibimos nuestro contexto; obviamente  que nuestras ciudades no son seguras y tiene altos índices de delincuencia, pero esta se expande en el imaginario y norma nuestra forma de relacionarnos, así la tercera parte de la obra es una animación realizada en stop motion, muestra una televisión que mientras la toma se va alejando muestra esos objetos que nos ofrecen seguridad, rejas en ventanas, y paredes, casetas de guardianía, que paradójicamente nos ofrecen seguridad para observar lo insegura que es la realidad.

Los medios usados también pretenden marcar una relación entre ellos, así las xilografías al ser imágenes estáticas no pertenecen a ningún tiempo, son representaciones de un momento dado cuyo sentido temporal se expande en algo que quiero transformar en arquetipos contemporáneos a través de la cita con la que empecé la descripción, mostrando a los seres, sus personajes y su contexto, que se complemente con la tercera parte que contrariamente al mantener un tiempo de duración se transforma en una narración, una pequeña historia que me refleja como espectador, al igual que cualquier otro, siendo parte de este pequeño engranaje del entretenimiento contemporáneo.

 2. Compleja, a pesar de que existen varios colectivos formados y constantemente produciendo o gestionando, aún la escena artística local depende de estrategias y políticas publicas para su desarrollo, existen limitados espacios de mercado para el arte y no veo una gestión a mediano o largo plazo para la formación de públicos. De todas formas resulta interesante entender los usos que el arte ha comenzado a tomar en este contexto, la misma formación de colectivos o jóvenes gestores que van adaptándose a las oportunidades que nuestra localidad ofrece genera usos diversos para el arte emergente, como la adaptación de proyectos a ciertas convocatorias, el trabajo en red para la producción de eventos o  el involucramiento de comunidades en obras son estrategias que comienzan a volverse propias y parte del uso que se da regionalmente al arte.

Si bien las oportunidades de surgir como un artista emergente en nuestro medio son complicadas, existe un abanico de posibilidades de como adaptar nuestras habilidades a mercados que no trabajan directamente con el arte pero tienen una relación directa.

3. La idea de “Crónicas rosas. Narraciones rojas” es inicialmente una serie de obras que en su conjunto puedan seguir debatiendo esta idea de especularización de la violencia, así como en el tríptico inicial voy a seguir trabajando en esta especie de investigación sobre la crónica roja analizándola como si de literatura se tratase, me refiero a que antes que dramatizar las historias que puedo leer en este tipo de prensa espero encontrar elementos que puedan dar de sí una narratividad, porque las historias que tratan son de cierta trascendentalidad al hablar de hechos de violencia y sus motivos; una de las cosas que me interesa de este proceso es encontrar casos comunes que identifiquen perfiles con los que pueda definir arquetipos contemporáneos partiendo de la crónica roja.

4. En lo que resta del año espero terminar “Crónicas rosas. Narraciones rojas” como una serie extendida a la obra mostrada hasta ahora, llegando a puntos de observación más diversos de los que hasta ahora he podido encontrar

Desde hace algún tiempo tengo relación con algunos artesanos y representantes de oficios tradicionales y no tradicionales en el centro histórico de Quito, con ellos espero generar condiciones para elaborar proyectos que sean de mutuo beneficio, tanto desde la generación de recursos como el compartir de información y saberes.

Actualmente estoy muy vinculado a proyectos que relacionan arte y educación, espero seguir trabajando a este tipo de propuestas que personalmente creo están directamente involucradas con la formación de públicos, además con algunos artistas gestionamos desde hace algún tiempo una propuesta llamada RE-LAP (residencias y laboratorio de producción artística) que empezara próximamente con su cronograma de actividades centrada especialmente en el centro histórico de Quito.

Desde hace algún tiempo tengo relación con algunos artesanos y representantes de oficios tradicionales y no tradicionales en el centro histórico de Quito, con ellos espero generar condiciones para elaborar proyectos que sean de mutuo beneficio, tanto desde la generación de recursos como el compartir de información y saberes.

 Tercera Mención:

“DIARIO DE UN DESESPERADO”
Autor: Johanna VIllavicencio
Técnica: Instalación
Fotografía y texto
Año: 2013

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Johanna Villavicencio:

1. Experimento con recursos, imágenes, texto que escribo, involucrando sentimientos, rutinas o solamente un camino hacia el mostrar algo y que el espectador sea parte de una obra, empecé a hacer fotografia en el 2009 cuando entendí que podía transmitir muchas cosas a través de esta, como, en una muestra colectiva presento la obra titulada “cajas mágicas” una serie de fotografías introducidas en cajas cerradas pintadas de blanco con agujeros en sus cinco lados colocadas en la pared y que la visión de dichas fotografías sea infinita para quien vea a través de dichos agujeros; para el 2010 participé en un festival local haciendo videoarte, y me involucre desde entonces con la investigación sobre el tema y la realización del mismo, he venido desarrollando un sin número de proyectos personales más q todo, desde el ensayo con material audiovisual hasta las propias fotografías presentadas en festivales nacionales y exposiciones locales.
2. Hablar de arte contemporáneo en el Ecuador es hablar de evolución respecto a cómo en los últimos seis años se ha venido desarrollando; si bien es cierto los artistas de hoy buscan la forma de mostrar su percepción a nivel crítico no solamente como una manifestación de algo estético sino enfocándose en la misma cotidianidad, a través de la recolección, experimentación de recursos donde el propósito va más allá de la parte subjetiva de cada uno de ellos. Podemos nombrar la Bienal de Cuenca como el ente principal de promoción de arte contemporáneo en el país, cuyo objetivo es mostrar cual es la producción artística a nivel nacional como internacional; los distintos salones nacionales y muestras colectivas donde se ha fortalecido en gran parte el vínculo entre artistas emergentes.
3. “Diario de un desesperado”, nace como una obra totalmente fraccionada, me refiero a que en la obra están involucrados dos recursos: el texto y las fotografías; estos fueron desarrollados durante mi estadía en la ciudad de Buenos Aires desde 08/2012 a 01/ 2013, cabe mencionar q los recursos fueron trabajados independientemente; la obra comprende diez cajetines eléctricos (material reciclado) pintados en negro, intercalando fotografía y texto, de cierta manera el texto describe a la fotografía anterior; ¿cuál es el objetivo de trabajar en un micro formato?,  el objetivo es simple, a partir de la palabra “desesperación” como base para la exploración hacia una experiencia personal, donde el espectador a través de un objeto básicamente una “lupa”, observará, objeto utilizado por la sensación que este puede producir durante su uso, llegando al punto en que las fotografías y el texto serán difíciles de observar; esto enfocado desde la analogía de ver más allá del tamaño de la obra, cuál es el punto de interés y cuál es lo que yo como autor quiero transmitir.

desesperación s. f.

Pérdida de la tranquilidad de ánimo y la paciencia.

Diccionario Manual de la Lengua Española.
4. El trabajo más reciente ha sido el presentado en la convocatoria PREMIO BRASIL Arte Emergente 2013, estoy trabajando en un proyecto personal que comprende fotografía y video recopilados  durante los últimos 4 años en una temática específica, además trabajo en una muestra de fotografía colectiva que se presentará en el mes de mayo a nivel local.